MELODRAMMA E METASTASIO
Durante tutto il Cinquecento è
pratica assai diffusa nelle corti quella di "cantare alla viola per recitare",
come ricorda lo stesso Baldassar Castiglione
nel suo Libro del Cortegiano: alcune testimonianze
eloquenti sono le raccolte di frottole per voce e liuto di Ottaviano Petrucci, i madrigali di Verdelot
adattati da Adrian Willaert,
la diffusione di certe melodie (come la romanesca e il Ruggero) che servivano
per la lettura cantata dei poemi epici, in particolare dell'Orlando furioso.
Verso la metà del secolo Alfonso della Viola (1508 ca.-l570), maestro di
cappella nella Ferrara di Ercole II d'Este, compose
le musiche per molte delle rappresentazioni teatrali che si tenevano a corte:
la tragedia Orbecche (1541) di Giovambattista Giraldi detto
Cinzio, la favola pastorale Il sacrificio (1555) di Agostino Beccari, l'Aretusa (1563) di
Alberto Lollio, Lo sfortunato di Agostino Argenti
(1567).
Un caso a parte è rappresentato dagli
intermedi, che erano episodi di intrattenimento musicale e scenico posti tra un
atto e l'altro di tragedie, commedie, favole pastorali: particolarmente famosi
per il fasto delle scene furono quelli composti nella Firenze granducale per le
nozze dei vari membri della famiglia Medici. In occasione del matrimonio del
granduca Ferdinando I con Cristina di Lorena (1589), Emilio de'
Cavalieri si occupa dell'allestimento di numerosi intermedi rappresentati fra
gli atti della commedia La pellegrina di Girolamo Barbagli, alla quale
collaborarono per le musiche Cristofano Malvezzi, Giulio Caccini,
Jacopo Peri.
All'inizio del XVII secolo il melodramma
aveva già raggiunto risultati prestigiosi: dopo le prime esperienze
della Camerata de' Bardi, si erano avuti autori di
assoluto rilievo come Ottavio Rinuccini in campo
poetico e Claudio Monteverdi in quello musicale. Nel
corso del Seicento, tuttavia, il "teatro per musica" aveva subìto
un'involuzione che aveva condotto i testi a perdere gran parte della loro
importanza a favore dei virtuosismi dei cantanti e della spettacolarità
della messa in scena: la parola, in sostanza, si era ridotta a un pretesto, a
un puro supporto funzionale a cui non si richiedevano particolari
qualità di stile e tanto meno di creatività. I librettisti,
quindi, privati di un ruolo autonomo, non si preoccupavano più della
logica, dell'originalità e neanche del buongusto dei testi, che spesso
scadevano a livello di farsa buffonesca e ripetitiva, erano sciatti sul piano
linguistico e incoerenti su quello dell'intreccio. A questa situazione aveva
già tentato di porre rimedio il veneziano Apostolo Zeno, ma il vero
riformatore del melodramma fu Pietro Metastasio: alla
sua istintiva capacità di associare armoniosamente musica e poesia, alla
finezza del suo gusto letterario e al suo sicuro talento teatrale si deve il
ritorno del melodramma alla dignità e al decoro che i suoi gloriosi
trascorsi esigevano. Il Metastasio intervenne in
primo luogo a semplificare e razionalizzare le trame, recuperando un criterio
di verosimiglianza e riconsegnando al testo un ruolo centrale e non subalterno
rispetto alla musica e alle scenografie. A questo scopo, egli trasse
ispirazione dal mondo eroico e dai miti dell'antichità, delineando
psicologie essenziali ma ben rilevate, elaborando trame semplici e in grado di
coinvolgere immediatamente il pubblico, attenuando la rigidità delle
unità aristoteliche di luogo, di tempo e di azione, e introducendo
spesso un "lieto fine" in assoluta violazione della tradizione tragica. Sotto
il profilo stilistico, poi, la lingua metastasiana
offre uno straordinario esempio di fluidità e di armonia, tanto che il
suo trasformarsi in musica giunge come un esito del tutto naturale. Queste
caratteristiche riconducono al gusto per la semplicità e per
l'equilibrio che fu proprio dell'Arcadia, con un'accentuazione in senso
razionalistico che deriva probabilmente dall'influenza esercitata sul Metastasio da uno dei suoi principali maestri, il filosofo
sectiunesiano Gregorio Caloprese. Oltre che al
melodramma, il Metastasio si dedicò alla
poesia lirica, in cui i caratteri arcadici emergono con maggiore evidenza: la
dolcezza, la musicalità e la scorrevolezza del suo verseggiare attenuano
alcune punte di sofferenza che ogni tanto sembrano voler affiorare, subito
neutralizzate da quel tono medio, fra il disincantato e il malinconico, in cui
la poetica dell'Arcadia seppe esprimere i suoi esiti più convincenti.
